Антонело да Месина е известен италиански художник. В ранния Ренесанс той представлява южната школа по живопис. Той беше учител на Джироламо Алибранди, който се наричаше месинският Рафаел. За да постигне дълбочина на цвета в остри портрети и поетични картини, той прилага техниката на маслената живопис. В статията ще обърнем внимание на кратка биография на художника и ще се спрем на неговите творби по-подробно.
Представител на новата посока
Много информация за живота на Антонело да Месина е противоречива, съмнителна или изгубена. Но е ясно, че именно той демонстрира на венецианските художници бляскавите възможности на маслената живопис. Така италианецът постави основата на една от ключовите области на западноевропейското изкуство. Следвайки примера на много други художници от онова време, Антонело съчетава холандската традиция на оптически точно предаване на детайли на изображението с живописните иновации на италианците.
Историците откриха запис, че през 1456 г. героят на тази статия е имал ученик. Тоест, най-вероятно, художникът е роден преди 1430 година. Неополитанецът Колантанио беше първият учител на Антонело да Месина, чиито творби ще бъдат описани по-долу. Този факт потвърждава посланието на Й. Вазари. Точно по това време Неапол беше под културното влияние на Иберийския полуостров, Холандия и Франция, а не на Северна Италия и Тоскана. Под влияние на работата на Ван Ейк и неговите привърженици интересът към рисуването се увеличава с всеки изминал ден. Носеха се слухове, че героят на тази статия е научил техниката на маслената живопис от него.
Портрет майстор
По рождение Антонело да Месина е италианец, но според художественото си образование той до голяма степен е бил част от живописните традиции на Северна Европа. Той красиво рисува портрети, които възлизат на почти тридесет процента от оцелелите му творби. Обикновено Антонело изобразява моделния сандък и близък план. В този случай раменете и главата бяха поставени на тъмен фон. Понякога на преден план художникът рисува парапет с прикрепен към него картелино (малко парче хартия с надпис). Илюзионистичната точност и графичност при предаването на тези подробности показва, че те са от холандски произход.
"Мъжки портрет"
Тази картина е рисувана от Антонело да Месина през 1474-1475 г. е едно от най-добрите му произведения. Палитрата на майстора е ограничена до наситени кафяви, черни и индивидуални щрихи от плът и бяло. Изключение прави червената шапка, допълнена от пилинг тъмночервена ивица на долната рокля. Вътрешният свят на рисувания модел практически не се разкрива. Но лицето излъчва интелигентност и енергия. Антонело много фино моделира киароскурото си. Острите черти на лицето, съчетани с играта на светлината, придават на работата на Антонело почти скулптурен израз.
"Това е мъж."
Портретите на италианеца привличат зрителя с лъскава, лъскава повърхност и формат на камерата. И когато да Месина пренесе тези качества на религиозната живопис (картината „Това е човек”), тогава гледката на човешкото страдание става ужасно болезнена.
Със сълзи на лицето и въже на врата си голият Христос внимателно гледа зрителя. Фигурата му изпълва почти цялото поле на платното. Интерпретацията на сюжета е малко по-различна от темата за иконописта. Италианецът се стреми наистина да предаде психологическия и физически образ на Христос. Именно това кара зрителя да се съсредоточи върху значението на страданието на Исус.
„Мария Аннунциата“ от Антонело да Месина
Тази творба, за разлика от картината "Това е мъж", е напълно различно по настроение. Но от зрителя тя също изисква вътрешно преживяване и емоционално участие. Що се отнася до Мария Аннунзиата, Антонело сякаш поставя зрителя на мястото на архангел в пространството. Това дава усещане за умствено съучастие. Богородица, седнала на музикалния щанд, с лявата ръка държи синия капак, хвърлен над нея, и тя вдига другата ръка. Жената е напълно спокойна и замислена, равномерно осветената й, изваяна в скулптура глава, сякаш излъчва светлина на тъмния фон на картината.
„Мария Аннунзиата“ не е единственият бюст портрет на жена, рисуван от Антонело да Месина. „Благовещение“ е името на друго подобно платно на художника, което изобразява същата Дева Мария, само в различно положение: тя държи синьото воал с две ръце.
И в двете картини художникът се опита да изрази усещане за духовната връзка на жената с висшите сили. Нейното изражение на лицето, поза на ръцете и главата, както и погледът й казват на зрителя, че Мери сега е далеч от смъртния свят. Черен фон от картини само подчертава откъсването на Богородица.
"Св Йером в клетката "
В горните снимки няма дори минимален интерес към проблема с пренасянето на заобикалящото пространство. Но в други творби художникът в това отношение значително изпреварва времето си. В картината „Св. Йероним в килията ”изобразява светец, който чете на музикален щанд. Офисът му е разположен вътре в готическата зала, на задната стена на която са изсечени прозорци на два етажа. На преден план изображението е рамкирано с рамка и арка. Те се възприемат като проскений (техника, често срещана в изкуството на страни, разположени северно от Алпите). Синапеният цвят на камъка подчертава контраста на сянка и светлина вътре в пещерна стая. Детайлите на картината (пейзаж в далечината, птици, предмети по рафтовете) се предават с много висока степен на точност. Този ефект може да се постигне само чрез нанасяне на маслена боя с доста малки удари. Но най-важното предимство на рисуването на да Месина все още не е в надеждното предаване на детайли, а в стилистичното единство на въздушната среда и светлината.
Монументален олтар
В годините 1475-1476г. художникът е живял във Венеция. Там той рисува великолепен олтар за църквата на Сан Касиано. За съжаление до ден днешен е запазена само централната му част, която изобразява Мадоната и Детето, издигащи се на трона. От двете му страни са светиите. Този олтар принадлежи към типа покръстване на сакра. Тоест, Мадоната и Детето и светците са в едно и също пространство. И това е обратното под формата на разделен на части полиптих. Реконструкцията на монументалния олтар се основава на по-късните творби на Джовани Белини.
Пиета и Разпятието
Маслената живопис на Антонело или по-скоро способността за предаване на осветление с тази техника беше високо оценена от неговите колеги художници. От това време венецианският колоризъм се основаваше единствено на развитието на големия потенциал на нова посока. Произведенията на да Месина от венецианския период имат същата концептуална тенденция като предишните му творби. Силно изтритата картина „Пиета“, дори в такова увредено състояние, изпълва публиката с интензивно чувство на състрадание. На капака на гробницата са три ангела, които държат мъртвото тяло на Христос с остри крилати крила. Художникът изобрази централна фигура отблизо.
Сякаш е притиснато към повърхността на платното. Съчувствие към изобразеното страдание - именно това, използвайки горната техника, потърси Антонело да Месина. „Разпятие“ е друга картина на художника. По тема е подобна на Pieta. Платното изобразява Исус, разпнат на кръста. Мария седи отдясно, а апостол Йоан отляво. Подобно на Пиета, платното има за цел да предизвика съпричастност към зрителя.
"Свети Себастиан"
Тази картина е пример за това как Антонело се състезаваше в изобразяването на героична голота и умението да предава линейна перспектива със своите северноиталиански колеги. На фона на каменна плоча, тялото на светец, пронизан от стрели, придобива огромни размери. Дълбоко разположеното пространство, фрагментът от колоната на преден план и перспективата с много ниска изчезваща точка твърдят, че художникът е използвал принципите на евклидовата геометрия при изграждането на композицията.
